パン・シヒョクHYBE議長のBillboard ロングインタビューです。ここでは経営者としてではなく、『ARIRANG』のチーフプロデューサーとして語っています。AI（Claude）訳を調整しました。読み応えがすごい。長いので読みやすいように見出しを入れました。
【目次】
パン議長が語る、BTS歴史的アルバム『ARIRANG』制作の真実
「BTS 2.0は過去の延長であってはならない——新たな章の幕開けを告げる宣言でなければならなかった」
by Leila Cobo｜2026年4月8日
BTSのカムバックアルバム『ARIRANG』——約4年間の活動休止を経てリリースされた本作——は、Billboard 200アルバムチャート（4月11日付）で2週連続1位を獲得し、グループ史上7度目の首位、かつ最長記録を更新した。
記録はそれだけにとどまらない。リード曲「Swim」もBillboard Hot 100で初登場1位を飾り、BTSはアルバムとシングルがBillboard 200とHot 100で同時に首位デビューを複数回達成した初のグループとなった（2020年に『BE』と「Life Goes On」で初めて達成している）。
さらに、『ARIRANG』収録の全13曲がHot 100に入った（鐘のインタールード「No. 29」を除く）。Billboard Global Excl. U.S.チャートではBTSが初めてトップ10（さらにはトップ13）を独占するという快挙も成し遂げた。
BTSのカムバックを影で支えたのは、HYBE会長兼創業者のパン・シヒョク（通称Hitman Bang）だ。13年前にBTSのデビューを設計した人物であり、グループを結成し、楽曲を書き、プロデュースし、マーケティングからSNSコンテンツに至るまであらゆる面を統括してきた。
メンバーとの深い絆は、7枚のアルバムを経た今も変わらない。メンバーたちが韓国で兵役を務めている間も、パン会長は頻繁に各メンバーと個別に面会し、韓国が誇る伝説的グループのカムバックアルバムについての対話を途絶えさせることがなかった。
「私個人にとって、これは人生のエネルギーの1年半を注ぎ込んだプロジェクトです」とパン会長は言う。メンバーたちから背中を押されたのは兵役のおよそ半ばのことで、そこから『ARIRANG』の制作に着手したという。これほどの象徴的なグループと仕事をすることのプレッシャーは「計り知れないものだった」と彼は付け加えた。
「メンバーたちからの信頼を胸に、私はプロデューサーという役割を引き受けました。でも正直に言えば、この種の仕事には、アーティスト本人と同じくらい重いプレッシャーがプロデューサーにもかかかります。音楽はその本質において、真正性と芸術性に根ざしていなければならない。そして結果とは目標ではなく、あくまでも自然についてくるものだと信じています。その一方で、大衆音楽の世界で仕事をしている以上、最終的には社会の反応が反映されるパフォーマンス指標から完全に切り離されることは、現実的にはなかなかできないことも確かです」
『ARIRANG』のリリースから2週間——ポップ、ヒップホップ、そして大胆に「韓国らしさ」を取り込んだこのアルバムは、グループと母国との絆を深めながらも、普遍的な共鳴を生み出していることが明らかになっている。
アルバムリリース後、メディアへの初インタビューで、パン会長はチーフプロデューサーとしての役割、BTSのカムバックに至る長い道のり、新曲と振り付けの制作プロセス、そしてアルバムの音楽に込めた深く意図的な意味について語ってくれた。
カムバックの計画
——約4年ぶりのカムバックは一大事です。その計画についてもう少し詳しく聞かせてください。
メンバーたちが兵役を果たしている間も、会社レベルでできる作業は並行して進めていました。その期間中、彼らはアルバム制作に積極的に関わることができなかったので、事前に準備できることに集中しました——楽曲の選定や、クリエイティブとブランドの大まかな方向性の構築などです。
個人的には、メンバーが休暇で外出できるタイミングを見計らって、それぞれと個別に会うよう心がけていました。そのとき彼らがどんな気持ちでいるか、考えがどう変化しているかについて、たくさんの話をしました。
楽曲の選定を始める前に、アルバム全体の構造を設計し、音楽的なビジョンを定めるプロセスが本格的に動き出したのは、米国で行ったプレ・ソングキャンプでのことでした。
2025年の早い時期、メンバーたちの除隊前に、全体プロセスを現場で統括するリードプロデューサーとしてDiplo（ディプロ）が選ばれました。4月と5月には、ロサンゼルスで2回のプレ・ソングキャンプを開催し、約100曲のプロトタイプを制作しました。
7月、全メンバーが兵役を終えると、京畿道のペンションにプライベートなモニタリングルームを設け、終日ワークショップを行いました。プレ・ソングキャンプで生まれた数多くのプロトタイプを聴き返しながら、「今BTSにできることは何か」「今BTSがすべきことは何か」、そして「BTSにしかできないことは何か」について、深く議論しました。
アルバムのアイデンティティ
——では、アルバムのアイデンティティとは何だったのでしょうか？
たどり着いた結論は、とても明確なものでした。BTS 2.0は過去の延長であってはならない——新たな章の幕開けを告げる宣言でなければならなかったのです。
当時の私自身の言葉を借りるなら、このアルバムの音楽的な核心は、ひとつの問いに対する答えを探す旅でした。「デビューアルバム『2 Cool 4 Skool』をリリースしたあのBTSが、過去13年間のジャンル的な変遷や外への拡張を経ずに、同じアイデンティティのまま成長し続けたとしたら、現在のシーンをリードするためにどんな音楽を作っていたか？」
そのビジョンが明確になると、すぐにメンバーたちも加わってロサンゼルスでの本格的なソングキャンプが始まりました。
7月にすぐ米国へ向かったのは意図的な選択でした——メンバーが音楽だけに集中できる環境を作りたかったのです。実際には、除隊後に各自で立てていた個人的な予定を持っていたメンバーも多くいました。でも私がお願いすると——かなり真剣な気持ちで——全員が迷わず承諾し、予定をキャンセルして一緒に渡米してくれました。
兵役を経験したことのある方なら、あるいはそういう人を身近に知っている方なら、これがどれほど簡単ではない決断かわかるはずです——世界最大のバンドであるBTSといえども、彼らは人間であり、休息が必要だった。それでも彼らがそれだけの覚悟を見せてくれたという事実は、彼らがどれほど深く音楽を愛しているかを物語っていて、だからこそ彼らはBTSなのだと思います。
LAソングキャンプでの様子
最初の2週間は、あえて厳格なガイドラインを設けませんでした。何かを聴いてイメージしたものと、いわゆる「魔法の手」で実際に形になるものとの間には、常にギャップがあります。方向性を絞り込むそのプロセスが不可欠でした。
2週間が過ぎてから初めて素材を整理し始め、何が機能しているかを見極め、より具体的な方向性を定めていきました。そのプロセスを経てようやく、かつてぼんやりとしたビジョンに過ぎなかったものを、200〜300曲という完全に形になった楽曲群として具体化することができました。
余談ですが、このソングキャンプの規模とエネルギー自体が、米国の音楽業界の中で話題になりました。レジェンド級のプロデューサーから新進気鋭の才能まで、BTS 2.0として思い描いたビジョンに合った個性を持つさまざまなクリエイターが参加しました。
あるベテランプロデューサーからは「2000年代以来、これほど大規模なソングライターキャンプは見たことがない」と言われました。これほど大規模なキャンプはもはや米国では一般的ではなく、BTSのカムバックに関わりたいという人が大勢いました。招待を受けていなかった著名なプロデューサーたちが、私や、HYBEおよびBIGHIT MUSICのスタッフに直接連絡を取り、参加できないかと打診してくるほどでした。
——全員で再び顔を合わせた最初の瞬間はどうでしたか？どんな気持ちで、彼らが絶対にやりたいと思っていたことは何でしたか？
長い年月が経っても、まるで昨日会ったばかりのように時間が経っていない感覚になる——旧友と再会するとはよくそういうものですが、メンバーたちと再会したときもまさにそんな感じでした。
除隊後、韓国でワークショップを行い、その後全員そろってロサンゼルスのソングキャンプに集まりました。それほどの意味を持つ最初の日が、ある意味ではほとんど拍子抜けするほど普通の一日でした。
「おう」「あ、来たね」——そんな短い、飾らない挨拶を交わしただけで、テーブルに着いてすぐに仕事に入りました。特に儀式めいたことも何もなく、皆が音楽に没頭していく様子を見ながら、「本当にまた始まるんだ」と実感しました。
彼らが何をしたいかは明確でした。過去の栄光に安住する「ボーイバンド」の延長ではなく、ルーツへの回帰——この瞬間にBTSだけが問いかけられる問いを、音楽で証明することでした。
もうひとつ、強く印象に残っている場面があります。アルバムのリリースの約1ヶ月前、RMとJUNG KOOKと気軽な夕食を共にし、その後JUNG KOOKの自宅に立ち寄ると、他のメンバーたちも自然と集まってきました。そこで皆で、すでに完成していた『ARIRANG』のアルバムを最初から最後まで、全集中で聴き通しました。まるで自分たちだけのプライベートなリスニングセッションのように、照明を落として柔らかい間接照明だけを残して。
半ば冗談のように「このアルバムは傑作だ」と言い合いながら、結局2周通して聴いてしまいました。その場で、このアルバムにどれほど自信を持っているかを語り合いました。
振り返ってみると、その自信は、メンバーたちが本当に言いたかったことと伝えたかった音楽的アイデンティティを、アルバムの中で完全に表現しきれたという実感から来ていたのだと思います。その意味で、この『ARIRANG』というアルバムは、メンバーたち自身が追求したかった方向性を真に体現した作品だと確信しています。
「レッテルを脱却する」アプローチ
——音楽そのものへのアプローチはどうでしたか？K-POPも、あらゆる音楽と同様、BTSの前作以来変化しています。それはどのような挑戦であり、チャンスでしたか？
このアルバムでは、メンバーたちも私も、明確で意図的な目標を共有していました。西洋の音楽業界に根深く残る偏見によって形作られてきた「ボーイバンド」というレッテルを脱却し、BTSを真のアーティストとして確固たる地位を打ち立てること——それが目標でした。
かつて、ボーイバンド出身のアーティストの多くは、グループを離れてソロに転向することでそのイメージからの脱却を図ってきました。しかしグループとしてのアイデンティティを保ちながら、内側からその固定観念を完全に打ち破り、自己を再定義したケースはこれまでほとんど存在しませんでした。
それを実現するために、私たちはひとつの意識的な決断を下しました——自分たちが出発したジャンルと音楽的伝統を深く尊重しながら、決してその中に閉じ込められない、ということです。
同時に、歌詞とメッセージについては、これまで以上に正直に、今この瞬間に自分たちが世界をどう見ているか、何を感じているかを反映させたいと考えました。
こうした仕事は、ある意味でアーティストが自分自身を完全にさらけ出すことを求めます——考えだけでなく、弱さも含めて。だからこそこのアルバムは、今日のBTSそのもの——7人のメンバーが、自分たちの内面を率直に表現した作品です。
K-POP業界の変化への期待
グループ自体を超えた視点で見たとき、業界的な観点から、BTS の新アルバムがK-POPマーケットに2つの意味ある変化をもたらすきっかけになればと願っています。
ひとつは、アーティストのキャリアの可能性の地平を広げることです。BTSはすでに「7年の壁」と呼ばれるものを超え、K-POPグループの寿命を大幅に延ばしてきました。今日では10年以上にわたってキャリアを続けるアーティストも多くいます。
ただ私は、このアルバムが単に物理的な意味での長寿命化に留まらないことを願っています。継続的な芸術的成長と自己刷新を促す、より深い変革の触媒になってほしいのです。
もうひとつは、アルバムの体験と消費のあり方——特にヴァイナル（LP）フォーマットへの新たな注目を通じて——シフトさせるきっかけを生み出すことです。世界的にヴァイナルの消費は増え続けており、米国市場だけでも年間約20%の成長が見られます。
しかしK-POPでは、市場はまだCDを中心に大きく偏っています。既存の消費モデルを超えて、ヴァイナルのような新たな成長の柱を取り入れる時が来たと思います——フォーマットとしてだけでなく、音楽との関わり方として。ストリーミングは音楽への即時アクセスを可能にしますが、ヴァイナルはより意図的で長期的な音楽との関係を育みます——コレクションし、保存し、より深く体験するという関係を。
BTSの最新アルバムでも、ヴァイナルの生産数を大幅に増やしたにもかかわらず、すでに一部エディションは売り切れています。BTSのようなグループがこの変化を牽引できれば、長年CDを中心に回ってきたK-POP業界に、新鮮な勢いと新たなエネルギーをもたらすことができると確信しています。
メンバーたちの成長
——メンバーたちはどう変わりましたか？音楽ビジネスと音楽そのものへの姿勢において、最も大きな変化は何でしたか？
制作の力学は変わりませんでした。メンバーたちのアイデアを聞き、より明確な方向性に形作るのが私の役割で、彼らはそのアイデアを自分たちの色で音楽として具現化していく。私が修正を提案すれば、一緒に議論して作品を磨いていく。
以前と同じように、RMとはリアルタイムでメッセージをやり取りしながら歌詞を交換し、その場で調整していきました。外部プロデューサーとのセッション前に全員で集まり、それまでに積み上げてきたものを何時間もかけて聴き返しながら方向性を確認するという習慣も続けました。
変わったのは、メンバーたちの力量——より正確に言えば、どれほど成長したか——です。
Vが手がけた「Into the Sun」を初めて聴いたときのことは今でも忘れられません。これまでVは、ソングライティングやBTSのアルバムへの楽曲提供にそこまで深く関わってきたわけではありませんでしたが、この曲は際立って優れた作品でした。こうした成長は、全メンバーに共通して見られました。
メンバーたちがアーティストとして成長するにつれ、制作プロセスは自然とアーティスト主導になっていきました。私は必要なときだけ関与することを意識していました。実際、行き詰まったときに彼らの方から私のところに来て、指針やブレイクスルーを求めることもありました。このアルバムにおける私の役割は、大きな方向性を形作ることと、いくつかの重要な判断に意見を述べることが中心でした。
プレッシャーと確信
——BTSは単なるポップバンドではありません——国宝的存在です。カムバックを成功させるプレッシャーにどう向き合いましたか？
先ほど述べたように、BTSというグループの歴史的な重みと、4年ぶりの帰還という事実を前に、私が感じたプレッシャーは計り知れないものでした。それでも、そのプレッシャーと並んで、不思議なほど強い確信もありました——これは決定的なアルバムになる、結果は必ず出ると。
メンバーたちが兵役中に不安や懸念を打ち明けてくることがあっても、私は自然と落ち着いた口調でこう伝えていました。「君たち自身は自信が持てないかもしれないけれど、私たちが必ずやり遂げることは確信している」と。
振り返ってみると、その自信はBTSをアーティストとして深く信頼していることと、全力でプロセスを走り抜けさえすれば必ず答えは見つかるという経験に裏打ちされた確信から来ていたのだと思います。
だからこそ、最初に感じた圧倒的なプレッシャーと比べると、実際の18ヶ月間の制作期間は、ある意味で驚くほど穏やかなものでした。
もちろん毎日それぞれの課題があり、プロジェクトの規模と複雑さはこれまで経験したことのないものでした。日々のストレスは現実のものとして常にありました。
でも心の深いところでは、静かな湖面のように、内面の状態は澄んでいて揺るぎなかった。前例のない混乱の中でも内なる平静を保てた——そういう意味で、逆説的でありながら、特別な期間でした。
成功の方程式から距離を置く
——どんなリスクを取りましたか？
実際の制作プロセスで取ったリスクは、かなり大きなものでした。最大の問いは、「BTS 2.0」として思い描いた変革を、観客が本当に受け入れてくれるかどうかでした。
その転換を実現するために、私はこれまで実証済みの成功の方程式から距離を置くという、2つの意図的な決断を下しました。
ひとつは、ビジュアル言語の転換です。アーティストを最も磨き上げられ、スタイリッシュで、視覚的に高められた形で提示するという従来のK-POPのアプローチから完全に離れました。代わりに、アルバムのメッセージに忠実であることを選択しました——外見的な華やかさよりも、人間としてのメンバーの素の姿と、そこから滲み出る美しさを捉えることに。
もうひとつは、パフォーマンスの役割を根本から再定義する決断でした。このプロジェクトで最大のリスクは、BTS 2.0として定義した大胆な転換を、大衆が受け入れてくれるかどうかでした。特に振り付けにおいては、相反する2つの形のリスクテイクが同時に追求されました。
まず、これまでの成功の方程式を完全に手放す必要がありました。プロセスの終盤に差し掛かっても振り付けが固まらない中、疲弊したメンバーたちが私のもとに来て、なぜ明確な方向性を示してもらえないのかと失望を口にしました。
それまでは音楽以外の領域では彼らのビジョンを尊重したいと、意図的に一歩引いていました。でもその会話の後、私は直接介入することを決め、すべてをリセットする——既存の振り付けの草案をすべて破棄する——という決断を下しました。
特に「Swim」と「Hooligan」では、振り付けはほとんどないと感じさせるほどのミニマルなレベルまで削ぎ落とされました。メンバーたちはこのアプローチに疑問を呈し、「これは本当にBTSらしいのか」と問いかけてきました。
私はこう答えました。「君たちはすでに、ただそこに立っているだけでステージを支配できるオーラを持っている。そういうアーティストにとっては、静止していることで十分なこともある。これまでのような激しい振り付けは、ときに音楽そのものを覆い隠してしまうことがある。次世代が採用している手法——しかもその手法を確立したのは君たち自身だ——をただなぞることは、今の君たちが持つ重みと風格には合わない。新たな章を開くことを選んだなら、新しい種類のパフォーマンスを提示する必要がある——音楽そのものが聴こえてくるような」
両方のアプローチを試しながら、繰り返し比較し、その違いを体で感じる——そうした作業を約2週間続けて、ようやくメンバーたちは完全に理解し始めました。
同時に、BTSといえば力強く息の合った振り付けを連想するファンの期待に応える、新たな基準も打ち立てる必要がありました。
BTSが多大な貢献をしてきたK-POPスタイルの精密な振り付けを、ただ繰り返すだけでは不十分だと感じていました。そうではなく、「これがBTSのレベルだ」と宣言しながら、K-POPの振り付けに新たな地平を切り拓くパフォーマンスが必要でした。
実際、ボーカル担当のメンバーの一部は当初、この楽曲（「2.0」）をアルバムに入れることに反対していました。自分たちには完全に表現しきる自信がない、と。しかし私は「2.0」を入れることが絶対に必要だと強く感じていました。従来のスタイルのような爆発的で外向きのエネルギーではなく、エネルギーを凝縮しながらBTSの遺産を精緻に受け継ぐ、より抑制された内側からの強度で構築されたこの曲は、アルバムにとって不可欠な存在だったからです。
ディアスポラの視点
——「アリラン」は韓国においてどんな意味を持つのでしょうか。またなぜ、このタイトルをアルバム名として提案したのですか？
韓国において「アリラン」は、単なる伝統民謡をはるかに超えた存在です。別れと切望に根ざした、やわらかく甘く切ない哀愁を帯びながら、同時にその感情をエネルギーへと変換する——韓国人が困難を乗り越える際の粘り強さと生命力、いわゆる「興（フン）」を象徴しています。ある意味で「生きている遺産」——歌う人によって絶えず形を変え、再解釈され続けるものです。
この感情的な枠組みこそが、今日のBTSの内的世界を表現するための、最も的確で力強い器だと確信しました。だからこそ、アリランをこのアルバムの中心概念として提案したのです。
制作を通じてメンバーたちと長い対話を重ねる中で、改めて気づかされたことがあります。グローバルなアイコンという立場にありながら、彼らの根っこにあるのは、アイデンティティの問いと深く向き合い続ける若者たちだということです。
RMの言葉を借りれば、彼らは「韓国の田舎の少年たち」であり、慣れない世界の舞台を歩みながら——時に戸惑いを覚えながら——自らの意図とは関係なく「脚光の重さ」と深い責任感を担うようになっていきました。それはある意味で、計り知れないものでした。
このプロジェクトの核心は、英雄的なイメージの裏に隠れた人間としての苦悩——「分断した自己」——を、最も真摯に明らかにすることだと私は感じていました。
そのころ、1896年にさかのぼる歴史的な記録と出合いました。見知らぬ言語と文化の壁に直面しながらも、アメリカの地で最初の韓国語録音——「アリラン」——を残した7人の若い韓国人男性の記録です。130年以上前、異国の地で音楽を通じて自らの存在を証明しようとした彼らの姿は、2025年に兵役を終えてグローバルな舞台に再び踏み出し、BTS 2.0として新たな章を開こうとするメンバーたちの状況と、驚くほど重なって見えました。それは偶然とは思えず、ディアスポラという視点を通して理解できる、共通した変わらぬ宿命のように感じました。
私たちが向き合った「アリラン」は、決して静止した、沈んだ悲しみではありません。韓国の民謡に特徴的なように、私たちが焦点を当てたのはその粘り強さ——別れの痛みを躍動する生きたリズムへと変換する力——でした。
アーティストとして、自らの弱さを公に明かし、その脆さの中に前へ進む力を見出すこと——それこそが真の「BTSらしさ」だと信じています。
このプロセス全体を通じて、関わるすべての人に一貫して強調してきたのは、「アリラン」を決して表面的で一面的なものとして扱ってはならないということ、また「アリランを入れれば何となく韓国らしくなる」「最も韓国的なものが最もグローバルだ」といった薄っぺらいスローガンに矮小化してはならないということでした。
最終的に、アリランは最も明確な羅針盤となりました——BTSが歩んできた13年の旅を振り返りながら、「A Love Beyond」——国境と世代を超えた愛——の時代へと向かう指針として。
この歌はもはや、伝統の単純な再解釈ではありません。今まさにこの瞬間、絶えず進化しながら世界を動かし続けるBTS自身の、生きた表現なのです。
「アリラン」を巡る葛藤
——韓国人として、「Body to Body」でBTSと何千人もの観衆が共に「アリラン」を歌う場面を聴いたとき、どんな気持ちでしたか？
BTSの別のグローバルヒット「MIC Drop」のとき、世界中からやってきた——それぞれ異なる言語を話す——ファンたちが、曲の一部を完璧な韓国語で一緒に歌う瞬間に、深く心を動かされたことを覚えています。初めてその光景を目にしたとき、それは非常に強烈な体験でした。
しかし「Body to Body」では、その体験がさらに深く、幾重にも重なったものとして感じられました。
BTSが意図したわけではないかもしれませんが、韓国では彼らはしばしば国の代表者のような存在として見なされています。もちろん最初の段階では、「アリラン」のような明確に韓国的な民謡的要素を楽曲に取り入れることについて、メンバーやチームの間でさまざまな議論や意見の相違がありました。
しかしプロデューサーとして私の見解は、アーティストとして、これほど強力な感情的インパクトを生み出しうるものを——内的・外的な理由から——あえて選ばないことは、いつか後悔することになるかもしれない、というものでした。
BTSに、ファンと広く一般の人々の双方の心に永く刻まれる瞬間を作るチャンスを逃してほしくなかった。最終的にメンバーたちとも共通の理解に達することができ、そして今やアイコニックな瞬間となったものを、ともに目撃することができました。
後日、メンバーたちは笑いながらこう話してくれました。「最初は『過度にナショナリスティックなマーケティング』と受け取られるんじゃないかと心配していました。でも周りの人に聴かせてみると、話した韓国人全員が、アリランが入ってくる瞬間に鳥肌が立って、深く心を動かされたと言っていました。今回もあなたが正しかったようです」と。
光化門広場の選択
——Netflixのコンサート映像は光化門広場で撮影されました。これはあなたのアイデアだと伺っています。光化門の持つ意味と、なぜそこで撮影したかった理由を教えてください。
すでに広く語られてきたことですが、BTS の新章を告げる最初のステージは、明確に「韓国らしい」場所でなければならないと考えていました。
カムバックの情報が流れ始めると、世界の主要都市からいくつかの公演オファーが届きました。しかし、韓国で生まれ世界へと成長したアーティストにとって、これほど重要な瞬間を海外でスタートさせるべきではないと、強く感じていました。
光化門広場は、最もふさわしい選択でした。多くの人が指摘しているように、最も韓国らしい姿に立ち返ったBTSが、韓国でも最も象徴的な場所のひとつに7人そろって立つ姿は、アルバムのメッセージを力強く視覚化するものとなりました。
特に、ステージ自体は最小限の要素で構成され、装飾のないシンプルな大きな矩形の構造物だけが設けられました。背景に光化門、その前でパフォーマンスするBTS——その光景は、過去と現在をつなぐ「門」のようであり、私はその対比に深く心を打たれました。歴史的でありながら同時に現代的、真に稀有なステージでした。この実現を助けてくださったパートナーのNetflixに、改めて感謝を申し上げたいと思います。
「No. 29」のビハインド
——もうひとつの美しい韓国的要素として、「No. 29」に聖徳大王神鐘の「うなり*1」が使われています。これもあなたのアイデアだそうですね。韓国文化における聖徳大王神鐘の意味と、このアルバムでの役割を教えてください。
アルバムを聴いていただくと、前半と後半に明確なコントラストがあることに気づくと思います。冒頭の部分は壮大さをまとっています——約4年ぶりに帰還するBTSの「王の帰還」を告げるような。対照的に後半は、より抑制された内省的なトーンへと変わり、その冠の重さを担う若者たちの率直な感情と内なる葛藤を映し出しています。
この対照的な2つのムードをつなぐことは、私が慎重に考えてきた問いでした。鐘の音を導入することで、ある種の瞑想的な通路を作り出し、聴き手が自然に後半へと移行できるのではないかと感じました。アルバムにインタールードを置いてムードを転換することは珍しくありませんが、通常は独立した器楽曲として作曲されます。今回は、いかなる音楽的要素も加えず、鐘の音だけを使うという、私たちにとって新しいアプローチでした。
このアイデアは、昨年、国立中央博物館を訪れたことから生まれました。유홍준（ユ・ホンジュン）館長が直々に聖徳大王神鐘の音を紹介してくださったのです。
館長はご親切にも博物館をプライベートで案内してくださり、「音楽をやるなら、これは必ず聴くべきだ」とおっしゃって、鐘の専用展示空間に連れて行ってくださいました。私はかなり長い時間そこで座って音に耳を傾け、その歴史と意義について学びました。館長は、当時の技術水準を考えると、その職人技と音響的な特性がいかに卓越したものかを語ってくれました。その瞬間、この音をアルバムのインタールードとして使うべきだと感じました。
東アジアの鐘は伝統的に、深く持続する共鳴を生み出すよう設計されていて、聖徳大王神鐘はその工芸の頂点とも言われています。鐘は、その音が途絶えることのない連続した共鳴の中に響き渡るよう設計されています——消えかけるようでいて、決して完全には消えない。この現象が「うなり」です。同じように、BTSの音楽が時を超えて響き続けるという希望を、このアルバムに込めたいと思っていました。
同時に、出身を問わずリスナーが自然に興味を持つきっかけになるのではないかとも思いました。特に海外のリスナーが、その好奇心に導かれてその意味と歴史を探り、韓国の文化的遺産への理解を深めてくれればという願いを持って。
BTSはポップアイコンになる
——近年、ポップ音楽においてナショナルプライドの復興が見られます。バッド・バニーの『DeBÍ TiRAR MáS FOToS』はその好例で、純粋にプエルトリコ的なアルバムです。BTSと『ARIRANG』によって、韓国にも特別な音楽大使が生まれる時が来たと思いますか？
このアルバムを通じて、BTSはアイコンになると信じています——単に韓国を代表するという意味ではなく、普遍的なポップアーティストとして、そしてそれ自体として揺るぎない存在として。Netflixがカムバックのライブ放送を宣伝する際に使った「THE WORLD'S BIGGEST BAND」というフレーズは、タグラインではなく、現実の反映だと私は捉えています。
社内でよく使う表現ですが、BTSはある種の「デスティネーション（目的地）」になりつつあると思います。ファンダムの力によってここまで来たことは確かですが、今やファンダムを超えて——世界規模で広く一般の人々に認知され、受け入れられるアクトへと進化しつつあります。ディズニーランドが開園すれば行ってみたいと思い、新しいマーベル映画が公開されれば観たいと感じる——そうした自然な引力と同じように、BTSは人々が体験したいと感じるアーティストになりつつあります。つまり、特定のファン層を超えて、より広い聴衆を惹きつけ、巻き込めるアクトへと拡張しているのです。
BTSのようなアーティストの存在が、K-POP全体の市場拡大と関心の高まりにも貢献すると確信しています。あらゆるジャンルは最終的に、そのジャンルを代表し再定義できる変革的なアーティストを必要とします。そうしたアーティストと彼らが生み出す瞬間を通じて、ジャンルの境界線が外へと押し広げられ、既存のベースを超えた聴衆が引き込まれていきます。BTSはK-POPの中でその役割を果たしてきました。そして時を経た今回の帰還が、韓国の音楽産業全体に新たな勢いをもたらす力になることを願っています。
